textos

Con alma de Monumento en desgracia. Cesar Arístides.

2006-07-06T13:44:00.000-05:00

Raquel Olvera

Tacubaya22 de Octubre de 2002

“Las pasiones se pierden/”, dice Roberto Juarroz, “salvo una quizá:/la pasión por la pérdida”.

En los poemas de Duelos y Alabanzas, puede sentirse la pasión por la perdida que Cesar Arístides transformó en un estandarte; bien dicen que si te llueven limones hagas con ellos limonada. Al saborear la agria dulzura del limón la enuncia con adjetivos suaves en contrasentido con la ansiedad propia del sopor del extravío, evoca el desasosiego de un pasado inmediato: orfebrería de gusanos, angustia delicada, extraña plenitud, tibio dolor. Casi con nostalgia se acuerda y nombra las diferentes presencias del dolor en su vida, las recorre como la casa en la que se vivió la infancia o la adolescencia, rememorando en cada habitación experiencias antiguas y amadas.

La peculiaridad en la poética de Arístides radica en su voluntad de asumir las perdidas no con el estoicismo propio de las almas duras, sino con mansedumbre valiente. Pletórica de adjetivos, se revela reverberante, inquieta. Entreverados en la confusión de los versos se filtra el drama con íntimo decoro. Un pudor que conmueve por valiente, por la voluntad de decir aunque cueste.

La segunda parte, muestra la afinidad del Cesar Arístides con otros escritores, su identificación. Como habitante de los libros, conoce su anatomía hasta el más mínimo hueso, la más mínima coma. Así recorrió Crímen y Castigo, Rojo y negro, Los cantos de Maldoror. Así entró en estas obras, no se quedó en el umbral y así, entregado a la imaginación de Dostoievsky se involucra con Sonia más allá de el inevitable momento de el “Fin” literario. Así entra en el alma de la señora de Renal, decidida hasta el fondo de toda su pasión y no con Sorel el muchachito del deseo.

A Cesar no sólo hay que agradecer el que comparta su propia vida, sino también su modo de vivir la literatura. Lo que aporta de nuevo, es la escritura de poemas desde los mundos creados literariamente. Es decir, literatura que es hija de la literatura. Juego de espejos producidos infinitamente. Aventuras entre laberintos creados con puras palabras. Palabras que son eco de otras palabras que rebotaron sobre diversas paredes erguidas en los barrancos de la historia. Cesar Arístides tiene tanta capacidad de vivir, que no sólo vive en esta dimensión, sino que va al encuentro de otras dimensiones creadas a partir de la imaginación y asume la soledad del personaje que no busca espectador. Sí, como un personaje literario que por rarísima excepción no hubiera sido creado para ser leído. Por eso las prostitutas de la merced se magnifican al entrar y salir de la novela de Flaubert sin pena y sin conciencia de su condición de personajes.

Cuando la propia historia esta hecha de desgracia, la sabiduría está en amar la desgracia con pasión como si la desgracia hubiera sido nuestro primer amor, el que nunca se olvida y se lleva a la tumba entre clavelinas rosas y nomeolvides violetas.

Con vidrios enterrados en la espalda fue escrito este libro: “Duelos y Alabanzas” y con Un alma de monumento en desgracia, será leído.

Al comenzar el día. Miguel R. Mendoza

2006-07-06T13:29:00.000-05:00

Al comenzar el día, es un libro que recomiendo leer al comenzar el día. Apto para realizar una maitinada, es música que Miguel R. Mendoza ejecuta para festejar al lector en el preludio de la mañana, es decir, en la alborada. Y cada uno de los textos que configuran el libro, fueron escritos, ni duda cabe, para festejar a los lectores; para estimularnos a vivir.

Seguramente escribió a temprana hora frente a su invisible prójimo. Invisible sí, y sin embargo no imaginado sino cierto. Las preocupaciones de sus textos así lo manifiestan. En propia experiencia vivió los enigmas a los que hizo frente y soportó con estoicismo para luego entregarlos íntegros a sus lectores con quienes formó la alianza del amor fraterno; como un padre que ha vivido y superado el tormento de la cotidianeidad y desea, con todo el corazón, que sus lectores no tengan que pasar por lo mismo. Con generosidad entrega su pensamientos íntegros, desnudos, diciendo esto debe ser así, esto tiene que ser así. Confianza era lo que buscaba desarrollar en sus semejantes, porque él mismo descubrió que es la fe, sólo la fe, la que protege cuando ninguna otra cosa puede hacerlo.

El señor Mendoza era cristiano, pero era sobre todo y más allá de todo, un hombre de fe. Lector atento, alimentaba su fe de conocimientos. Leyó a grandes escritores, filósofos, pensadores, poetas y religiosos. En sus creencias, pueden percibirse vínculos con religiones orientales. Principios de filosofía Zen, de Budismo, de Cristianismo originario, incluso, aunque tal vez el mismo no lo sabía, del esencial comunismo. Era, ante todo, un humanista. Tenía fe en Dios, en la Suprema Inteligencia, en el Altísima ser de luz. Pero no es un creyente pasivo, no; previene una y otra vez sobre la responsabilidad que cada uno tiene en la construcción del propio destino y convoca a vivir lo mejor posible. El no comprende que alguien desee quitarse la vida y tampoco aquellos que se apartan de caminos ya trazados. Al estimular constantemente al lector a seguir adelante, a disfrutar de la poesía, a no holgazanear ni desperdiciar un solo momento de la vida, Mendoza parece decir: “se los digo porque lo sé” , “no lo hagan”, “no tiene sentido”. Y entonces uno como lector se pregunta ¿qué vivió el escritor que no quiere que los demás vivan? Todo parece indicar que conoció la ansiedad, el dolor, la vergüenza, la rabia. Entonces uno se llena de gratitud y de ternura hacia este ser que ofreció sus experiencias, sus lecturas y sus descubrimientos y guardó para sí mismo, con un pudor conmovedor, sus propios sufrimientos. Dejó testimonio de lo mejor de sí, pues su conciencia de estar sirviendo a una poder más grande le dio la fuerza para decir que sí se puede, que hay que lograrlo porque estamos hechos de luz, aunque la sobra también esté en nosotros.

Hay que leerlo con detenimiento. No de corrido. Poco a poco. Un texto cada día, para entablar con él una conversación que será en realidad, una conversación con nosotros mismos.

Raquel Olvera

Tacubaya, 22 de julio del año 2002.

Concierto para cinco sentidos

2006-05-02T11:00:00.000-05:00

Quinto Movimiento

Desde hace mucho tiempo

oigo caer una gota de sangre repetida, serena;

una gota de sangre transparente, pero sangre:

una gota o el hilo

en que la piedra envía su mensaje a la piedra.

La horadación,

el presente repetido hasta lo eterno

(cada vez, cada fracción de vez)

en el mismo —preciso— punto del espacio,

(ese punto sólidamente oscuro que es la piedra:

retrato compactado del espacio)

condensación del más nítido sueño que soñó el universo.

Una gota de sangre transparente

hace vibrar diminutas partículas del aire;

desplazadas de su lugar dejan atrás vacío para incrustarse

en una onda y otra y la siguiente.

Avanzan y chocan, retroceden.

Una gota que cae es la punta de flecha:

atina al corazón y lo atraviesa un poco:

un poco en cada repetido instante en que se es

el filo de un diamante líquido

y el arma para hendir las tinieblas:

ser instrumento que se llama "golpe" y es palabra:

una gota que cae con filo suave sobre la oscura cáscara del pensamiento:

ser otro ser que no es ser-individuo ;

parvada que es y no es un pájaro:

concede paso al aire y se lo quita.

Una gota que cae es una isla: huye del continente y se dirige

en su fragmento de eternidad-de-cosa-única, hacia otro continente:

más inasible, más anónimo: Inescrutable.

Una isla que borró su linaje.

Una isla que marcha sin volverse

aunque comprenda que se aleja del origen,

para ir

hacia el fin,

irrevocablemente.

Una gota que cae se llama gota al caer:

(antes no tuvo nombre; después, no lo tendrá):

una gota al caer adquiere límite: tiembla;

todo dentro de sí se llama gota:

todo afuera amenaza su existencia.

Una gota es la línea que bordea al derramarse

la forma en que se abraza: delinea y oscurece.

Adhiere su materia a otra materia y cae:

dudando o sin dudar se precipita:

dibuja mientras baila vertical, hacia su propio fondo.

La que se aparta de sus iguales,

la que no niega su origen, la mutante.

Una gota puede, con su existencia, retar al mar:

es un mar en potencia:

alberga en su interior paisajes varios y más aun: los alimenta.

Todo dentro de sí se mueve según su propio impulso:

se desatan tormentas pero nadie las nota, porque son íntimas.

Una gota que cae se mueve desde adentro y se desprende,

porque no alcanza para uno el movimiento de hacerse dos.

Una gota que cae se desprende y queda, en su viaje al afuera,

unida para siempre al lugar donde duelen los deseos

(porque son carne, aunque no tengan peso).

Fifth Movement" from Concerto For Five Senses by Raquel Olvera

2006-05-02T10:57:00.000-05:00

translated by Hayden Leaman and Patricia Kelso

A long time ago

I heard a drop of blood fall repeatedly, calmly,

a drop of transparent blood, but it was blood:

a drop or a thread

by which stone was sending its message to stone.

The piercing, the present repeated until eternity ( each time, each fraction of time )

in the same precise point of space

(that solidly dark point which is the stone, a likeness compressed from space),

a condensation of the clearest dream that the universe dreams.

A drop of transparent blood

makes tiny particles of the air vibrate;

shifted from their place they leave behind an emptiness to be inlaid

in one wave and another and the next one.

They advance, and crash, and retreat.

One drop that falls is the point of an arrow that hits the heart and pierces it a little:

a little in each repeated instant in which it is

the thread of a liquid diamond

and the weapon to split the darkness:

to be an instrument called a "stroke" which is a word:

a drop which falls with a smooth cutting-edge on the dark shell of thought:

to fall and to roll; to be no longer the same, to be now another:

to be another essence which is not individual-being

but a multitude which is - and is not- a bird:

it gives way to the air, and moves away from it.

A drop which falls is an island: it escapes from a continent and makes its way

within its fragment of eternity-of-uniqueness, towards another continent,

more inaccessible, more anonymous: Inscrutable.

An island which erased its lineage, an island which moves forward without turning,

although it knows that it moves away from its source,

to go irrevocably towards the end.

A drop which falls is called a falling drop:

(previously, and afterwards, it has no name):

a falling drop acquires a limit: it trembles;

everything within it is called a drop,

everything outside it threatens its existence.

A drop is the overflowing border of the form it embraces: it delineates and obscures.

It joins its substance to other substance and falls:

doubting or not, it rushes down:

it draws a line and dances down to its end.

What moves it away from its fellows,

what does not deny its beginnings,

is the force of change.

A drop can, with its existence, challenge the sea: it is a potential sea:

it shelters different landscapes within itself, and even more: it feeds them.

Everything within it moves according to its own impulse:

storms break out but nobody observes them, because they are secret.

A drop that falls moves from within and is detached,

because, being one, its movement never is sufficient to become two.

A drop that falls is detached, and in its journey outwards

is forever united to the place where yearnings are grieving

because, though weightless, they themselves are flesh.

Las flores de la dicha, una antología de la poesía alegre.

2006-02-21T12:05:00.000-06:00

Roberto Ramos Trujillo.

Mientras nuestro espíritu se demora empotrado en las entrañas de un calendario secular que tributa sus mejores estrofas al drama y al dolor, de pronto por fortuna nuestra mirada tropieza con una obra consagrada a reclutar diferentes y depuradas expresiones de la alegría. Por sólo este hecho merecería celebrarse el libro con tragos y tronidos de pólvora fosforescente en el firmamento. Pero figuran otras virtudes de mayor jerarquía en la estructura de este volumen, lo cual suministra estabilidad a nuestro entusiasmo.

A estas alturas casi resulta una obviedad declarar que los fervorosos industriales de la desmemoria y la distracción pertinaz y pueril, se obstinan en el propósito de extirpar del reino del corazón el sentimiento de la dicha y en su lugar pretenden sembrar una estratagema en verdad embelecadora y quimerista: la contemporánea superstición del confort. La quimera predilecta de los mercaderes tecnocráticos es la de escandalizar con la oferta impostergable de la confortabilidad. Pero después de todo y a fin de cuentas ese es el producto más ambicioso que pueden concebir y ofrecer los tracaleros barones del dinero.

Sin proponérselo de entrada la naturaleza de este libro descarrila de cabo a rabo tal inercia de modernidad. Y expreso que sin premeditación en realidad porque las luces que orientan el propósito original de la presente obra, logran penetrar, recrearse y fincar sus reales en el tejido esencial de la condición humana. Después de la lectura de esta antología alegre, advierto que uno de los principales intereses de Raquel Olvera fue el de explorar la más relevante gracia del espíritu creativo. Se trata por cierto de la gracia que de un par de siglos a la fecha se le ha soterrado con taimada severidad, en particular por artistas de ultratumba aturdidos por el estruendo de sus propias tormentas. Esa gracia que resplandece con luz propia no puede ser otra más que la dichosa sensación de la alegría. En esa esfera providencial es donde Raquel Olvera se ha extraviado a propósito y ha demorado el recreo más allá del timbre de la chicharra académica. No en balde ella nació y creció y aprendió a cantar, a bailar, a darle gracias al humo, al amanecer, al azul y a la fogata, a Girondo y a rimar sus palabras frente al fervor de una cascada en Chignahuapan,. Se trata de un pueblo en cuyas márgenes hay una cerro que tiene la tierra irritada porque cuando fue mutilado por la terca diligencia de la maquinaria, mató a un hombre para que lo dejaran en paz. Un pueblo que se entretiene hasta el delirio en la pericia de fabricar esferas, un pueblo que en la tarde lo envuelve la niebla de los picos montañosos , un pueblo que goza del hechizo de un lago para reflejarse por los siglos de los siglos en la claridad del cielo y de la memoria.

El libro que este jueves 25 de marzo del 2004 presentamos en la casa del poeta Ramón López Velarde, ostenta en la cornisa de entrada un dintel dibujado con la imagen de una fresca y roja carcajiada de sandía. En el interior se escucha el rumor cadencioso de una congregación de versos alegres en el éxtasis del brindis. El epígrafe de Francisco Gavilondo Soler lo expresa absolutamente todo e incluso dice un poco más de lo que en realidad supone. Con la destreza propia de los querubines traviesos la anfitriona de esta epifanía antologable premeditó cada detalle y cada ápice de circunstancia de su conjuro de voces dichosas. Vestida de largo entero con la filigrana de su mejor sonrisa recibe la presencia del lector.

El retablo tornasolado de silogismos que integran las páginas de Las flores de la dicha, nos brindan filamentos cuyo destello a su vez nos permite descifrar de una sola mirada el carácter esencial de la antología. O sea que de la víspera de saca el día. Hay algunos versos que concentran en el ritmo de sus sílabas la totalidad de la intención del volumen. Así este libro representa en su conjunto a una mariposa dorada que revolotea sobre el testuz de la producción literaria del momento. Y es también en el páramo de la cosecha editorial una pequeña flor amarilla que aglutina el canto general de la tierra. Hay antologías cuya materia prima es de la misma levadura que sirve para fabricar el pan, otras amarran sus estructuras con cintas de aire, esta que ahora presentamos está manufacturada con la risa de la alegría; entonces habrá más de un lector que se enamore sin remedio de la edición y en los delirios de su nostalgia ruegue como Neruda que puede prescindir del pan, del aire, pero no de la alegría cifrada en los renglones de este libro.

Tengo para mi la impresión de que en la ejecución de esta selección de poesía alegre, Raquel Olvera se permitió un lujo cuyo deseo venía cultivando en lo más recóndito de su corazón. Gracias a la fidelidad que ella profesa a sus corazonadas contamos con este espléndido material.

No obstante el trasiego de tigre famélico no me alcanza la experiencia para calcular el monto del regocijo creativo cuando determinó la ubicación asignada a cada poeta. Roberto Juarroz y Jaime Sabines alternando en las páginas centrales no son una casualidad. Abre el concierto con figuras de la talla de un José Juan Tablada, Antonio Machado, León Felipe, Alfonso Reyes, Oliverio Girondo, Vicente Huidobro, Carlos Pellicer. Y ya después siguen Pablo Neruda con un poema magistral, como es su costumbre, Miguel Hernández. Nicanor Parra, Efraín Huerta. Se permite ella algo que ya no les es posible permitírselo a la realidad, reúne de nuevo las voces de Rosario Castellanos y Dolores Castro. Por cierto que en esta fiesta Rosario Castellano se descubre como una mirada, ella toda es una mirada, Rosario cuando estaba alegre y amorosa no se soltaba el cabello, se soltaba la mirada; la felicidad en ella colinda con la alucinación transparente. Perfectamente vestido con sus versos blancos y sus zapatos para bailar coplas a barlovento, vemos a Don Mardonio Sinta, y por ahí asoma con menor brillo su heterónimo intelectual Francisco Hernández. Sin agarras el baila de la iguana de Francis Mestrie es en verdad memorable. Ivoneas Mendoza hace que nos asomemos a el equinoccio de las pupilas de su niña de seis años y nos comparte el temblor de la alegría que la sacudió para siempre. Hay títulos que empalmados casi arman un verso insuperable: La tristeza tiene un olor... Desierto; Tu hálito..en mi jardín encantado. También algunos nombres de autores ya vienen en sí mismos impregnados de poesía: Coral Bracho, Angélica Tornero, Gabriela Balderas, César Arístides, Marea Luisa Rubio.
María Luisa Rubio denuncia la tiranía de la voz que corresponde a las cuerdas bucales de la tristeza. Por eso ella puede reconocer la presencia de la dicha. Pero al mismo tiempo sólo la reconoce cuando ya se ha marchado, pues suele ser una visita generosa y discreta, que sólo deja su rastro de nostalgia en los labios.

El caudal del concierto es inabarcable en una, dos o tres, cuatro y hasta siete lecturas. Este libro hay que leerlos tantas veces cuantas sea necesario para grabarlo íntegro en el corazón. Si un día despertáramos con la apoteósica noticia de ocho columnas de que dos o tres dignatarios de las naciones más poderosas fueron secuestrados durante el sueño por un vertiginoso y relampagueante comando poético, y que le notifican al mundo entero que no exigen millones de dinero, sino que para liberar a los rehenes éstos tienen que memorizar letra por letra Las Flores de la dicha, otro gallo le cantaría al amanecer del mundo. Gracias.

Roberto Ramos Trujillo.

La dicha tiene raíces en la tierra/Dolores Castro

2006-02-21T12:04:00.000-06:00

La dicha tiene raíces en la tierra, crece su tallo y sufre las embestidas del viento y del tiempo. sus flores son, como todas las flores, delicadas, efímeras, pero también iluminan el espacio y el tiempo cuando florecen.

Las flores de la dicha, en poesía son de una especie casi extinguida en un tiempo tormentoso como es el nuestro; pero se dan, tenemos el mejor testimonio de su florecimiento en la antología de poesía alegre que con el título Las Flores de la dicha presenta hoy la editorial Planeta.

Raquel Olvera es la responsable del florecimiento mágico de estas flores a pesar de qque para descubrirlas había de realizar esta antología leyendo y releyendo los poemas para comprender la particular manera de expresar la dicha, pero al leer este luminoso libro podemos decir que pudo lograrlo, a pesar de los aires no muy buenos del D.F. y que la dicha esté “acostumbrada a respirar aires más puros

La dicha va subiendo de tono desde los poemas de José Juan Tablada, Antonio Machado, León Felipe, Alfonso Reyes, hasta culminar en esta parte con Gratitud, de Oliverio Girondo, (agradecido) Poetas tan importantes como Vicente Huidobro, Carlos Pellicer, desfilan con sus flores, creacionistas o tropicale;. José Gorostiza se alegra con el mar, y Pablo Neruda florece con la risa de la mujer amada, Miguel Hernandez desde su prisión,con
la flor de la risa relampagueante de su hijo recién nacido, el poeta dominicano Pedro Mir, que “emborrachó de emoción; y en Chile Nicanor Parra recuerda el delicado olor de las violetas para curar la tos y la tristeza; (con este poema demuestra la finura de la selección antológica, ya que sólo la interpretación del poema obtiene la flor de la dicha)
El canto de alegría de Efraín Huerta es breve, como lo anuncia el mismo título de su poema; en el poema de Alejandro Avilés El don de aquella tarde “hasta las duras piedras florecían.

La selección misma de poetas es un acierto. No eligió la autora seleccionando exclusivamente por la mayor o menor dicha que expresaran los poetas. La selección por calidad es el principal valor de esta antología cuyo horizonte se amplía a Cuba con Eliseo Diego; a Guatemala con Otto’Raúl González; a Perú con Javier Sologuren, Argentina con Roberto Juarroz y el gran Juan Helman; de Marruecos Francis Mestries, de Alejandría Fabio Morábito.

Sobre la selección de otros poetas mexicanos, es necesario añadir que incluye diferentes generaciones de poetas imprescindibles, dichosos en su momento, porque la dicha florece y se deshoja, por fortuna, pues si fuera perdurable se convertiría en rutina y estaríamos ciegos ante ella, o por lo menos distraídos.

Las Flores de la dicha es un hermoso libro, podríamos adoptarlo como libro de cabecera para recordar que la dicha existe.

Escribir poesía Vs. vivir la vida.

2006-01-04T20:43:00.000-06:00

Uno de mis maestros dijo un día: "Vivir no es necesario, navegar, es preciso", haciendo referencia a que vivir no era necesario mientras se estuviera escribiendo. Otro me dijo que la poesía "no se puede escribir si no tiene una emoción que nace de la vida".

A lo largo de mi aprendizaje los he visto a ambos ejercer lo que enseñan: el primero escribe incluso desde otras voces, impostando el yo y encerrado en sí mismo en su pequeño departamento y solo.

La segunda escribe lo que vive en su casa, sola; al tiempo que viaja constantemente aceptando presentaciones y lecturas públicas.

El primero dice no, la segunda dice sí. De los dos se lee poesía muy muy buena.

¿Tú que dices? ¿Se vale escribir poesía de cosas que no se han vivido?¿Se puede?

eco)...eco))......eco))).......eco)))))

libros, De venta en la librería "El hallazgo", Mazatlán casi esquina con Juan de la Barreda, col Condesa.

2006-01-03T00:05:00.000-06:00

Te quiero Sur

2006-01-02T23:53:00.000-06:00

•Poesur

Roberto Juarroz

•Poesía y Creación,Diálogos con Guillermo Boido

• LA FIDELIDAD AL RELÁMPAGO

Adolfo Bioy Casares

•La Invención de Morel

Hugo Mujica

•HUGO MUJICA/Entrevista Esteban Ierardo

•Responsoriales

Antonio Porchia

•Voces

•La verdad

• Han dejado de engañarte, no de quererte. Y te parece que han dejado de quererte.

Marina Sabato

Mis amiblogs

2006-01-02T23:49:00.003-06:00

•Lo negará todo (pero a ritmo de blog)
•Poesía sin azúcar
•Roberto Borja
•La hoja cáduca
•Jorge Letralia
• El Ventrílocuo
•Noemí
•Blog de Malvario
• Doke Libertario
•Sol primero
•Invitación para una persona
• Colectivo Poético Cardo
•Por que ella así lo quiso
•Lumbre Culebra
•Noctambulario
•La venganza de las guayaberas atómicas
•Nubes
•Libro libre
•Canción de invierno
• A la caza de intangibles
•En el nombre del blog
•Navegaciones
•blogglogos
•Almairado
•malvada naranja

Reseñas

2006-01-02T23:36:00.000-06:00

• La paciente prisa del Río/Dolores Castro,

• ESA MULTITUD QUE SOY/María Luisa Rubio,

•Códigos Urbanos

•Casa de la Cultura Reyes Heroles

•Entrevista en la Jornada

•Sobre Juan Manz

• Poética mexicana contemporánea, Pedro Granados

• Artes por todas partes

• La poesía: revistas y editoriales

•La madre: Fundamento de la cultura

•La dicha tiene raíces en la tierra/Dolores Castro

•Las flores de la dicha por Roberto ramos Trujillo

•Colección ya leisste

•poemas

•Mujer con mayúscula

•Una vida dedicada a la poesía, Bellas Artes

•Entrevista a Dolores Castro, Cesar Güemes

•Cosecharán tempestades

• Dolores Castro, Homenaje en Zacatecas

•Cité Universitaire

•Con alma de monumento en desgracia

•VUELTA A LA CASA EN 75 POEMAS, Cesar Arístides

•Libros en Gandhi de Cesar Arístides

•Duelos y alabanzas, Cesar Arístides

•Entrevista a Cesar Arístides

• Cardo: escuela de mebriaguez/Roberto Borja,

• La escritura es una labor de ingeniería./Sergio Santiago Madariaga,

• Follaje de voces y percepciones/Roberto Ramos Trujillo,

•Presentación el Cardo/Pablo Narral,

• la impresión de la frescura/Dolores Castro,

•A la caza de intangibles/Raquel Olvera

•Palabras para un arrullo/Raquel Olvera

Lety Ricárdez

•El paso de Lety por Italia
•Quiero decir y que la voz responda

• Sobre Tenoch

•banda hispânica

•Escaner Cultural, sobre Iván Buenader

Revistas electrónicas de poesía

2006-01-02T23:35:00.000-06:00

•Malvario

•Oráculo

•Alforja

•Enfocarte

paseos por el campo para entrenar nuestro silencio

2005-11-15T23:06:00.000-06:00

Por: Patricia Farfán

Gracias por acompañarnos. Mi ponencia es un breve comentario al libro que hoy se presenta en esta bella ciudad.

El libro es el resultado de cinco años del taller de “percepción poética” bautizado con el nombre de Cardo. Llama la atención lo que puede suceder en un taller de percepción poética en el vestíbulo del siglo XXI, ¿por qué un taller de percepción poética y no de poesía “a secas”?.

La idea de crecer artísticamente en un taller es muy antigua; los talleres han sido un espacio que por tradición ha albergado y fomentado conocimiento en un clima de intimidad, recordemos que en el origen de las universidades están los talleres, y que estos siguen funcionando ya sea incluidos en las universidades o en sus márgenes, pero, sobre todo, -dato curioso- a pesar de ellas.

Cardo se inscribe en las corrientes contemporáneas que viven la liberación de la experiencia creativa y su divulgación. Aunque su raíz diste mucho de ser filantrópica y su fundamento no sólo se remita a la comprometedora razón de que la práctica poética es un placer; su objetivo es la percepción poética: a veces con la evaporación de una catedral barroca, otras con el conjuro a una tormenta de nieve, las más en un juego de cartas y con el “as” de una canción.

Pero hay algo insólito que sí me gustaría resaltar de Cardo, en estos tiempos de individualidades robustecidas, y es que sus integrantes buscan apoyarse mutuamente. Mucho de lo anterior se debe a su directora, es decir, a la poeta Raquel Olvera, quien es más que la cabeza del movimiento (aunque le vendría mejor un término con tintes delictivos: llamémosle la autora intelectual de los proyectos de este grupo) que, para suerte de todos nosotros, fomenta nuestra adicción. Aquí recuerdo una definición irreverente de Jean Rostand: la poesía es un cierto proceso de desintoxicación de ciertos venenos que algunos organismos segregan y otros consumen.

Y los asistentes a esta presentación, ya para este momento, estarán preguntándose qué diablos entiende Cardo por percepción poética, o al menos cómo la vive?

Y me apena reconocerlo pero hemos llegado hasta este punto para decirles que no lo sé y que mi única certeza (y esto no es una estrategia de mercado: traemos libros a la venta) es que para nosotros, así como seguramente para otros talleres, la poesía no sólo son los libros de poesía: la percepción poética construye mucho más que libros, erige formas de vida que tienen por columna vertebral el estremecimiento y la plenitud; viéndolo así creo que puedo decir algo más: la percepción poética es la apertura de cualquier persona a concebir su realidad, de cualquier lector al recrear la poesía en el poema: es una república, donde se pasea la conciencia del deseo poético con la necesidad de que se vuelva a suceder. Y es aquí donde Raquel Olvera sonríe con malicia...aunque no lo hayan notado quiero advertirles que para ella antologar más de treinta poetas no es suficiente y anda en busca de almas que simultáneamente estén sonriéndole a la tentación de entablar una relación poética con la realidad. Para Cardo, la poesía no termina con la lectura de los poemas, aunque es muy importante, así como el trabajo previo de los poemas, cada uno en la medida de su propio proceso, porque persigue, además, una identificación del arte con la vida, aún en la conciencia de que esta es una de las apuestas más ambiciosas del arte contemporáneo.

Mientras no tenemos una percepción poética de las cosas, el mundo está cerrado y para que podamos abrazarlo es necesario que despierte en nosotros. Ivonne Mendoza, una integrante de cardo, me comentó un día que desde que asistía al taller veía una flor y este hecho la conmovía, y aquí está el asunto: que una flor despierte en nosotros no es poca cosa. Esa flor deja de ser una flor entre las flores y se inagura, a través de ella, nuestro diálogo con el mundo. John Cage, músico contemporáneo estaunidense, dijo en alguna entrevista que para él una clase magistral no es precisamente la que le propone la academia, sino un paseo por el campo con uno de sus mejores amigos, quien es un botánico. Y para mí Cage da en el clavo: él es un músico y está interesado en el lenguaje de las flores. La poesía subyace en cualquier experiencia que se refiera a la belleza; o, mejor dicho, la poesía se encuentra en cualquier percepción de la realidad que nos tome por los hombros y nos sacuda.

De esta manera, me gusta pensar en Cardo más que como un taller que agrupa personas dedicadas a diversas actividades, en uno que genera una multiplicidad de realidades, dado que su motivo es la percepción poética.

Esa belleza de la que hablaba Cage, presenta para mí dos caras: una, que develamos con la ayuda de las palabras, belleza pasiva- por llamarla de algún modo- que quiere que la descubramos; y otra: la que circula por nuestras venas, la que es vivida físicamente, belleza activa y acechante. A esas dos caras de una moneda en vuelo, a ese movimiento del interior hacia el exterior y viceversa, debemos su peligro. Porque así como hace que nos encontremos con nosotros mismos, de igual forma vuelve a perdernos. En Cardo ese movimiento se vive como un ritual que busca celebrar la belleza, por eso, los que estamos con Raquel, creemos en los paseos por el campo para entrenar nuestro silencio y aprender a reconocer la voz de una flor entre las flores.

Palabras para un arrullo

2005-08-26T10:07:00.000-05:00

Las brujas tienen pesadillas terribles; a veces ni pueden conciliar el sueño. Tanto dolor guardan sus corazones, tanto rencor. La amargura las agita hasta el amanecer. Cansadas de sí mismas, preparan pócimas para exorcizar los demonios y encontrar paz, pero sus más fuertes hechizos no les sirven para conciliar el sueño. Para crear el canto que apaciguara sus bestias y las llevara por el sendero de los sueños, se necesitaría fuerza, destreza y conocimiento. Alberto Revilla despliega estas virtudes con maestría en su Canción de Cuna para Las Brujas. La elección del instrumento (Acordeón), resulta preciso por su carácter enérgico y melancólico. ¿Quién podría imaginar una bruja relajándose con una melodía escrita para flauta, laúd o mandolina? Eso hay que dejárselo a los elfos, las hadas y las niñas buenas.

Al comprender la metáfora que encarna la imagen de la bruja, (un ser humano que busca cambiar su destino y alcanzar la trascendencia o los secretos de lo suprahumano), el autor se aparta del maniqueísmo que separa el bien del mal y así logra la unidad suprema expresada con belleza, exactitud y precisión. La cadencia que fragua el acordeón en este arrullo compuesto por el maestro Revilla, trae a la imaginación los varios momentos en que el intérprete podría detener su música y alejarse de puntitas una vez logrado su objetivo. Pero la respiración de la supuesta durmiente no suena del todo sosegada así su rondó infinito y lleno de paciencia persiste hasta que, finalmente, el suave silencio que precede a la música, nos muestra que se ha logrado el objetivo.

El primer track de este disco, La Canción De La Tía, muestra la femenil elegancia de una mujer madurada lentamente que ha dejado atrás los sobresaltos de la juventud y se ha entregado al gozo de la suavidad. El círculo de la guitarra es un balcón donde asomarse dentro de su casa en una tardecilla de verano: la tía gira la llave de la alacena, un suave temblor de manos revolotea en torno de la vajilla de porcelana, huele a tarta recién horneada, (mantequilla y moras del campo), la luz sin aristas se cuela entre la organza del cortinaje mientras en la cocina la tetera silba. Y seguirá silbando, bajo las holandillas tejidas en hilo crudo de algodón, la hermosa tía encontró un boleto de cine amarillento, el recuerdo del amor la inunda: el tiempo la amará esta tarde, hasta el oscurecer. Y es posible que la tía, tenga 20 hijos o un marido regañón, de todas formas, la tarde en que suena está, melodía, revivirá su amor sereno.

en seis movimiento el primer oque sustenta el título de la melodía,

Además de la satisfacción, el reconocimiento y la notoriedad que le dará haber compuesto esta Canción de Cuna, Alberto Revilla puede estar seguro de que el gremio de las brujas, le quedará eternamente agradecido.

Raquel Olvera

Martes, 09 de Marzo de 2004

la paciente prisa del río

2005-08-26T10:01:00.000-05:00

Dolores Castro

Raquel Olvera hunde los dos pies en el agua, tanto como en el fluir de la magia de la vida y la poesía. Dueña de una vez cada vez más propia y más capaz de expresar a los seres de los cuatro reinos de la naturaleza —mineral, vegetal animal y humano— en sus géneros próximos y diferencias específicas, bucea en el fondo de las imagines más íntimas, donde magia, mito, sueño realidad y poesía forman un ángulo agudísimo, con el dolor, la dicha; el recuerdo y el olvido. Desde ahí se sitúa, contempla, comprende, transforma y expresa.

Desde una fuente milenaria, una cascada, un río, nueve abluciones o nueva ríos en los que se recuerda, se olvida y se inicia una zambullida con la muerte, mientras queda borrada la línea del horizonte en un breve e intenso poema. En los siguientes palidecen las fronteras del vivir y el morir ante la fuerza del amor, el desengaño, mientras va del vivo recuerdo hacia el olvido.

Inmersa en "la paciente prisa del río" avanza. Recordar aquí es asumir: "Ahora soy una nada más intensa" pero también afrontar: la dolorosa certidumbre, la rabiosa verdad y fluir como el agua misma, en el filo del abismo, mientras afronta la distancia entre la realidad y el sueño, o los sueños.

El animal extraño escondido en la maleza nos introduce al Tercer Olvido", el olvido del desamor, y la infidelidad; a "¿Cuántas (doncellas) tendrás que desarmar/hasta que entiendas de qué están hechas?" y (...) "Ojalá que las bestias que metiste en mi pecho/ hayan sido todas las que traías adentro/ para que nunca, ninguna otra mujer,/ tenga que padecerlas."{...} y, al límite de la rabia; "Quiero tener tu nombre entre mis dientes/ para morderlo hasta sacarle sangre"

María Raquel Olvera lleva al río su sensibilidad, fluye el agua, lava, y aparecen los recuerdos en toda su intensidad, pero el río nítido cristal de aumento, le va revelando muchos secretos sobre la pasión, y la frialdad, sobre el amor y el desamor.

La gracia de lo popular se introduce en cada una de las coplas que anteceden a los olvidos: El amor es un nagual/ con diferentes empeños,/ más grandes o más pequeños/ pero jamasmente igual." con ésta se inicia un deslumbrante despertar para salir de sí contemplar la transparencia, el cielo, el amanecer, "e instalarnos en el paisaje,/ libres del corazón/ y sin escándalos de sangre."

Amor es prisión, recuerdo es prisión fortificada, sólo la magia del torrente debilita la fortaleza con los embates de su enérgica embestida, siempre igual. Estar fuera de sí es el anhelo, mientras alta mariposa/ dibuja complejas esperanzas",y ella recorre todos los reinos de la naturaleza buscando su ser.

En el siguiente olvido el torrente desemboca en el mar, el viento se detiene: "un rayo hiere mi condición de mujer /Tu cuerpo desaparece en el polvo de la oscuridad". El clímax se presenta: ¿Cómo aventurar a los abismos/ a un corazón sin ojos? y en los dos últimos versos: "Las llamas del dolor dan un color violeta/ La alegría no tiene color"

Contempla el río y su reino de la realidad en un islote, y en ese reino se puede abrir los brazos, y admitir a la tierra en el vientre y saber que "el corazón se parte con mesura/ medio segundo vivo, / medio segundo muerto. Así se empieza a romper el mal sueño, y a la fuerza del dolor le sucede la fragilidad. Como si en cualquier momento/ su frágil osamenta se pudiera quebrar. El río mágico permite que "Con aliento del agua en las espaldas/ y sol. Luego, desde el puente puede contemplarse, como "criatura / n la que ha echado sus raíces la luz" Agua y luz que arrastran la amargura.

Si las imágenes citadas antes nos permiten introducirnos a la poesía de María Raquel Olvera, imágenes de gran fuerza expresiva, de gran cúmulo de sugerencias, la simbolización que logra tiene una eficacia semejante: un altar, en é! un ramo de astromelias púrpura, al testimonio de su muerte, simbolizan todo el transcurrir del amor, su muerte, su renacer. El río en el filo del abismo, la barranca, los pasos sobre los filos del roquedal," la entrega a! olvido, y a morir todas las veces que sea necesario, para tal vez alcanzar la luz: "Entre mi espalda y la parad súbitamente/ en plena oscuridad abrí los ojos" La magia de la poesía, del conocimiento profundo, de la luz que la verdadera poesía emite, ha permitido a Raquel Olvera iluminar el espectro del amor, sumergirse en la magia del torrente vital, o del auténtico torrente del manantial de Chignahuapan, su pueblo natal, para conocer y conocerse y aun para "aumentar los mares con su llanto", llanto de plenitud tras la purificación de los olvidos, y a nosotros, mediante la lectura de este poemario, deslumbrarnos con su poesía.

ESA MULTITUD QUE SOY

2005-08-23T12:36:00.000-05:00

por María Luisa Rubio

Raquel Olvera es poeta y artista plástica. Actualmente coordina un taller de poesía, imparte clases de dibujo, cuida su jardín, su gato y su marido; ávida de hacer, ahora está experimentando con lo que llama “arte cibernético”. Conozco a Raquel hace muchos años y por tanto he visto su obra artística casi desde sus comienzos, pero nunca le había preguntado cómo llegó a ser lo que es. Así fue como me citó en su casa a mediodía y la encontré terminando una consulta, pues aunque no es doctora ni sicóloga, tiene muchos años estudiando el I Ching y no es poco frecuente que la gente se acerque a preguntarle del libro o de su propio destino y luego se quede atrapado en su luz (la de Raquel). La entrevista, pues, empezó con el pié derecho porque tuve oportunidad de saber cómo ve la gente a Raquel Olvera, antes de preguntarle a ella misma. Georgina, reportera de El Universal Radio, dice que hace tiempo que entendió que Raquel es una proveedora: de paz espiritual, de buena ventura; que quien llega a platicar con ella no quiere irse nunca, que en su compañía el tiempo corre de distinta manera. Gerardo, reportero de viajes, se sentó animadísimo a comer un tempranero molito de olla que estaba recién cocido y su rostro expresaba una gama de sentimientos: tranquilidad y asombro, creo, los más claros.

Raquel Olvera nació en Chignahuapan, pueblo enclavado en la sierra norte de Puebla, en el seno de una familia unida y amorosa. Es una de las hermanas menores y me platica que la costumbre de llamar a las cosas por su nombre es familiar. Las educó su hermana Paty, que también escribe y que desde muy chica le recomendó abrir su mente y su corazón para entender las cosas más allá de sí misma, entenderlas como son “y no como yo creía que eran”. Su mamá, mujer muy fuerte y trabajadora, proveyó el hogar desde la máquina de coser; sus pocas palabras, dice Raquel, su integridad y la consecuencia con sus actos, la influyeron fuertemente. Doña Lupita está llena de dichos populares que son premisas de vida y Raquel los tiene en la punta de la lengua, por ejemplo: “Obras son amores y no buenas razones”, también “ve a sacar sangre de una piedra”, un poco como no pedirle peras al olmo, pero “sacarle sangre a una piedra es muy expresivo”. Así aprendió a ser justa con las cosas.

Con voz reposada y firme, me cuenta la importancia de familiar en su formación lingüística: su hermana Paty le enseñó que la entonación de las palabras también les da significación: “Tú puedes pedir algo ‘por favor’ pronunciando la palabra, pero si lo haces de forma brusca le cambias el sentido, en realidad ese “por favor” adquiere un carácter imperativo”. Así aprendió las sutilezas del lenguaje. Su hermana mayor la inició en las propiedades de cada hierba en la cocina y cómo cada sabor entraba en convivencia con otros sabores; eso le enseñó también cómo se juntan las palabras. Maru, la hermana que canta, le ayudó a ver la importancia de lo que se decía en las canciones y no nada más de la música.

El acercamiento de Raquel Olvera a la literatura formal fue más bien tardío: “En la casa leíamos Selecciones y muchísimo comic”. Fue cuando sus hermanas se fueron a estudiar a otras ciudades que los amigos llevaban libros y los dejaban “o me los regalaban porque se daban cuenta de que me gustaba leer”. El primero libro que recuerda fue Cuentos escogidos de Antón Chejov, que le gustó y la hizo desear ser hombre para ser vagabundo, “porque ahí todas las historias son de hombres”. Leyó el obligadísimo Corazón, diario de un niño; el Diario de Ana Frank, Torbellino de sombras. Como a los dieciocho años y ya en Puebla, tuvo un tutor literario que la acercó a la novela: “entonces leí a Faulkner, Dostoievski, Steinbeck, Hemingway; por esa época tuve un novio extranjero que me empezó a dar a conocer, cuando ya estudiaba pintura, a Egon Schiele, Gustave Klimt, a un grabador extraordinario como Felician Rops

Le pregunto si siempre quiso ser artista y me cuenta que, como todos los niños pequeños, alguna vez quiso ser doctora o maestra y que en realidad su primera vocación artística fue la de bailarina. Pero más que una expresión hacia fuera –leyó la vida de Isadora Duncan y pensó “que una bailarina no debía tener un espejo enfrente, sino adentro”‑ Raquel siempre ha buscado una interior y aunque siempre concursó dibujando y pintando, no sabía que era escritora: “Así como uno no sabes lo que respiras hasta que no puedes respirar, yo no me daba cuenta que escribía aunque siempre tenía junto a mí libreta y pluma.” Platica que quería ser como Diego Rivera, pintora, aún sin conocer su obra.

“Alguna vez cruzó por mi pensamiento, dice, ser agrónoma o fisióloga: me fascinaba la vida de los seres. Pero siempre tuve bastante fascinación por la factura, por hacer cosas con las manos”. Su paso por una imprenta, en la que trabajó ya viviendo en la ciudad de México le dejó el gusto por el trabajo editorial que es otra veta artística de Raquel. Curiosamente, su acercamiento a la poesía fue más bien tardío. Me platica que le daba flojera leer poesía “porque sentía que se acababa muy rápido la línea; no le sentía continuidad, porque no sabía leer poesía”, fue hasta que terminó su carrera de grabado que empezó a leer poesía, aunque ya escribía desde antes.

El paisaje de su pueblo marcó de manera importante sus aficiones, pues la visión de las montañas como marco del atardecer, dice, “te obligaban a ver el cielo y el ocaso”. La casa donde se crió está enclavada a las orillas del pueblo, alto en la montaña, con el pueblo a sus pies. Enfrente había un terreno triangular, “como un diamante de béisbol”, donde se juntaban los ríos en tiempos de lluvia y entonces jugaba con sus hermanos “a arremedar el mar y a ser los corsarios”. Raquel quería pintar las montañas y pensó que no se podían plasmar en una pintura los colores del atardecer hasta conocer las pinturas de José María Velasco: “vi que sí se puede, que fui yo la que no pudo”. En realidad lo que ella siempre quiso representar es lo que se sentía, lo que suscitaban en el observador aquellas entrantes y salientes de las nubes, de colores. “Mi alma es abstracta”, reflexiona.

Otra parte del mundo rural que la impresionó fueron los viajes que hacía a la montaña con sus nanas, que la llevaban consigo los días de descanso: “nunca me expliqué por qué llevaban trabajo a sus casas”, comenta divertida. Caminaban cuatro o cinco horas monte adentro y veían fenómenos “como el hielo que camina sobre el agua congelada, sobre el pasto o el musgo”. Recuerda los olores, elemento muy presente en la poética de Raquel, y “el silencio, que no es tal sino que está poblado de ruidos de vida, de diferentes dimensiones”. Las caminatas por el monte, dice, le permitía un estado de conciencia muy alerta; en realidad siempre ha sido cosa suya observar. Esas cosas que observas, dice, que escuchas, las registras en tu memoria.

En su deambular por las ciudades, pues ha vivido en Puebla, Jalapa y la ciudad de México, ha jugado un papel importante, cuenta Raquel, la convivencia con otros seres humanos. En Jalapa tuvo un amigo pintor que murió pocos años después: “formó buena parte de mi espíritu, influyó mucho en mi manera de ver las cosas”. En 1988 llegó Raquel a la ciudad de México y nos conocimos en la euforia cardenista. Platica que el hecho de poder recurrir a una persona dentro del territorio de la ciudad, “que para mí era una monstruosidad; donde no estaba doña Bertita al lado, ni el tío Juan ni el tío Manuel ni don Jacobito el de la tienda, nadie que yo conociera, fue una base: vivir en tu casa y tener mi taller, tener un trabajo”. Terminó la carrera de grabadora en “La Esmeralda”, aunque no ha logrado el título y creo que a estas alturas ya no le interesa.

La primera obra pictórica de Raquel tenía mucho de denuncia, incluso les clausuraron una exposición colectiva en Puebla, “Las vírgenes desnudas”. El papel femenino era muy importante, pues la convivencia familiar fue básicamente entre las hermanas: “todo el tiempo estuve rodeado de cuerpos femeninos y era natural que los sufrimientos de la mujer fueran los únicos que existían para mí, porque siempre escuché hablar mujeres”. Fue hasta la prepa donde tuvo amigos varones que empezó, dice, a conocer el espíritu masculino y lo comprendió totalmente cuando se casó, a los 31 años: “nos fundimos de tal manera mi esposo y yo que empecé a comprender lo que era ser un hombre”. Roberto, su esposo, le recomendó la lectura de Viernes o los limbos del pacífico, que fue el libro que le inspiró la carpeta de grabados que presentó como tesis de licenciatura en “La Esmeralda” y que le ayudó a visualizar la gama que existe entre el negro y el blanco: “Ahí se me abrió otra perspectiva de visualizar al ser humano ya no como hombre O mujer, sino hombre Y mujer”.

El I Ching y el pensamiento oriental han sido muy importantes en la vida de Raquel; me cuenta que su amigo Iseo Noyola la ha ayudado a comprender esa complejidad, la integridad de lo negro y lo blanco, su complementariedad. ¿Cómo se refleja eso en su obra? “Con el tiempo me he dado cuenta de que todo es expresión de ti y si tienes muchas expresiones es que eres varias; hace tiempo estuve trabajando Esa multitud que soy, un libro que luego se convirtió en Cuatrocientas mentiras”.

Tiene que ver, me platica, con lo que Roberto Ramos (otro amigo de Raquel, poeta también) llama el coloquio que trae uno adentro; que no es una voz interior, sino varias. “A lo mejor hay quien tenga una sola voz; yo tengo varias voces interiores y buscan expresarse en diferentes momentos y de diversas maneras: en el jardín, en la cocina, en la escritura y en el dibujo, incluso a veces en el diseño, en la computación”. Tiene mucho que decir, afirma, y lo que hizo el I Ching fue integrar todas esas voces y darles su espacio. “Cuando entiendes que todo está cambiando y al mismo tiempo que hay un fondo que no cambia puedes aceptarte como eres. Por ejemplo, el dolor no dura para siempre, por muy intenso que sea se va a acabar, igual que la alegría, se van y luego regresan, como los ciclos de la naturaleza.”

Raquel ha resignificado su aparente dispersión; su estudio del I Ching la ha llevado a entender que estamos en constante movimiento y que hay momentos en que puede sentarse a pintar o a grabar todos los días durante ocho horas y otros en los que no. Ha aceptado que tiene gérmenes de muchas cosas y los que no nacen alimentan a los que sí se realizan. “Lo que es constante es el ir y venir, como una tejedora que tira varios hilos guía, lo que sería la trama; mis directrices son la pintura, el grabado, la poesía, el jardín, la cocina, la composición. Luego trabajo la urdimbre, el tejido que va y viene, entonces sé que no soy constante en una sola cosa, pero soy constante en todas. No lo terminas todo de un jalón, pero en la siguiente vuelta lo vas a terminar”.

Raquel comenzó a trabajar en su jardín porque uno de los personajes de su novela es un jardinero. Piensa que la experiencia y la reflexión son parte del acto, que están juntas y hay momentos para uno y para el otro. “Hay un momento en particular en mi vida, cuando me vi en la encrucijada entre amargarme o no, que recurrí al poema en concreto para atravesar esta prueba y modifiqué mi poética y mi poética me modificó; somos la misma cosa.” Juega con la metáfora de su obra como el hilo de Ariadna: “fue un lazo que me ayudó a salir de un laberinto para meterme en otro” y se vuelve a reir. “La experiencia y la reflexión tienen un ritmo, como la poesía y la estética, que fluye y refluye: hay momentos en que reflexionas y esa información te sirve para tomar tus decisiones”.

Un elemento importante en la vida de Raquel Olvera y por lo tanto en su obra, es su relación con lo sagrado. Me cuenta que su infancia fue católica, y luego se hizo comunista y atea: “En ese tiempo sentí que me faltaba un pié; no podía hacerme una idea completa del mundo sin la imagen de dios”. Su idea de dios se fue modificando a través de experiencias visuales; un espejo dentro de una pesera le reveló, primero, la idea de un dios que nos inventamos para no vernos solos, de dios como un reflejo. Luego, viendo un documental sobre hormigas, La crónica Helstrom, dice, “sentí como que la virgen me hablaba” llegó a la imagen de dios, como el espíritu de toda la humanidad, su representación; ese fue el siguiente nivel en la concepción de dios. Otra experiencia le regaló el concepto de que la inteligencia es una y la materia es diversa: dios no es solamente humano sino una forma que se hace visible en la materia, de diferentes maneras. “Lo único que tiene un vegetal es crecer hacia la luz, así que esa es su inteligencia. Una piedra crece como los cristales o simplemente está. Cada quien con sus capacidades físicas, con las diferentes formas de materia. (...). Lo seguiré viendo desde otras perspectivas y me seguirá asombrando así como me ha asombrado incluso la no existencia de Dios: Dios no puede existir, porque el verbo no es existir, la materia existe pero dios es demasiado complejo para existir, está más allá de ese verbo, es un verbo que no hemos inventado”.

Ya estamos las dos muy cansadas y aunque todavía hay mucha tela de donde cortar, le pregunto a Raquel: “¿Crees que el arte nos conecta con lo sagrado, que nos llevará a trascender lo material?” Su respuesta es muy suya: “Tal vez porque es mi profesión lo siento de esa manera; tal vez diría lo mismo si fuera jardinera, que las flores nos van a hacer trascender o si fuera física o química o política. No lo sé, no sé si es porque soy poeta que digo que la poesía nos va a ayudar a trascender, pero por lo menos quiero poner mi grano de arena y quiero pensar que así es y que ojalá los panaderos piensen lo mismo”.

La poesía: revistas y editoriales

2005-07-08T10:26:00.000-05:00

Texto leído en la casa del Poeta el día 6 de julio dentro del ciclo poesía y presente

al colectivo Poético Cardo

a mi familia que está presente

La poesía no hace nada.

Y yo escribo estas páginas sabiéndolo.

Marco Antonio Campos

No sueño que la humanidad despertará al unísono de pronto a la poesía como en un idilio paradisíaco; pero imagino el instante unificado sólo por la metáfora, en el que cada uno de los seres humanos la descubre. Es necesario que todo humano encuentre para sí, una posibilidad particular de vida superior a la humilde e inevitable realidad cotidiana. No hay fin más noble para nuestra vida. Lo que nos distingue a los unos de los otros son las relaciones que tenemos con el infinito.[1]

Parafraseando a Maeterlinck, un poeta no es diferente a otro que no lo sea sino porque, en cierto momento de su existencia tuvo una conciencia más viva de esas relaciones. Entiendo que nacemos a la poesía el día en sentimos la fuerza de la belleza de lo creado y nuestra participación con la vida. El momento de la revelación poética es el momento en que lo humano se reconoce así mismo. Descubrirse finito es una condición para establecer relaciones con el infinito.

A partir de esa revelación en dónde se encuentra el pozo del poema, se puede empezar a trabajar con las palabras. Es el momento de aprender o perfeccionar el oficio. Los talleres literarios en México (sobre todo en la capital), se multiplicaron en cafés y centros culturales. Bien, porque para empezar estimula la lectura de poesía en voz alta, práctica tan necesaria en nuestro país en el que a duras penas se aprende a deletrear. Sobre los múltiples talleres que se llevan a cabo en la ciudad de México no profundizaré porque son tema de otra plática. Sin embargo es necesario apuntar que los hay para todos los niveles y que se pueden encontrar desde muy buenos, hasta algunos viciados por el hastío. Pero si ya el trabajo de sacar adelante un buen poema es complicado, publicarlo es aún más difícil para muchos autores noveles que se tienen que abrir paso con disciplina y constancia, pero sobre todo, con infinita paciencia. Las revistas en su mayoría, apenas ocupan un rinconcito para la poco remunerativa poesía. Tal vez esa será alguna de las razones por las que se han fundado diversas revistas dedicadas íntegramente a la difusión de la poesía. En un principio, estos inquietos fundadores que no encontraron espacio para sus propios poemas, terminaron luchando por un espacio no sólo para las creaciones propias, sino también para la de sus colegas. Aunque hay antecedentes históricos importantes, hablaré de las que conocí, puesto que las anteriores están ampliamente documentadas y estudiadas.

La primera fue El Cocodrilo poeta; nombre que toma su fundadora en homenaje al poeta Efraín Huerta. No olvidaremos la extenuante labor de Raquel Huerta-Nava en esa revista que hizo época, y que, para muchos, fue la posibilidad de verse publicados por primera vez en una revista de buen nivel y la mejor distribuida de su época. El Cocodrilo Poeta, nació en 1989 y dejó de imprimirse en 1998, pero subsiste en su página virtual.

Inolvidable y querida la revista Páginas Huérfanas fue una labor de varios años de Raúl Tapia, que la fundó, dirigió, imprimió y distribuyó. En un principio, hecha en páginas sueltas fotocopiadas, era cuidadosamente diseñada por Raúl Tapia y distribuida en talleres literarios y eventos de revistas independientes.

También conocí la revista Equipo Mensajero, que no sólo se dedicó a imprimir y publicar poetas, sino también a buscar foros para la lectura en voz alta.

Las tres que mencioné anteriormente eran revistas independientes, pero también hubo algunas que recibieron pequeños apoyos o que fueron subsidiadas por centros culturales o instituciones como la revista Periódico de Poesía, una publicación trimestral en alianza INBA-UNAM, dirigida por el escritor Marco Antonio Campos, que dejó un hueco difícil de llenar cuando dejó de publicarse por 1998 si no mal recuerdo.

Dirigida por Benjamín Barajas, la revista Ritmo, empezó a publicarse en el año 2002, como una publicación trimestral de los profesores del área de talleres del CCH Naucalpan.

Astillero surgió como revista bimestral en el 2000, dirigida por Cosme Álvarez y Guillermo Samperio con un cuidado notable en el diseño gráfico, pero también en la elección de textos.

En las revistas del interior del país destacaron, Pasto verde, en Orizaba Veracruz, dirigida por Mario Islasáinz que se sostuvo unos buenos años; La revista Cantera Verde, muy conocida en Oaxaca y apreciada nacionalmente, es dirigida por Julio Ramírez y en 2001 recibió el premio Edmundo Valades del CONACULTA a la edición de revistas independientes. Azar, de Chihuahua, una revista muy bonita de formato vertical y con dos portadas contrapuestas, por un lado poesía y por el otro narrativa.

Molino de letras revista de Literatura y Humanidades de la Universidad Autónoma de Chapingo, Pámpana, revista independiente de distribución gratuita dirigida por Antonio Calera Grobet, y Salamandra del taller de Creación Literaria de la Universidad Autónoma de Chapingo, son revistas que no se dedican exclusivamente a la poesía, pero sí a la creación literaria, poesía y narrativa, por lo que se pueden encontrar muchos más versos publicados que en otras revistas culturales que abarcan más géneros artísticos o políticos y sociales.

Alforja, se ha sostenido por muchos años con la misma calidad tanto en su diseño e impresión como en la elección de sus textos, y por su consejo directivo han transitado diversos e importantes poetas como José Vicente Anaya, José Ángel Leyva, María Vázquez Valdez, Leticia Luna. En esta revista, grata en su calidad poética y en su amor por la gráfica, se han ocupado en asuntos temáticos y han acompañado varios números con grabados de muy buena factura; además de que editan libros de poesía.

Oráculo pertenece a una generación más reciente, ha sabido aprender de experiencias anteriores logrando un diseño sobrio y agradable junto con una buena calidad lieteraria; en su trayectoria han logrado apoyos de CONACULTA y su consejo directivo lo integran: Rodrigo Flores, Ramón Peralta, Daniela Ramos Cardoso entre otros. Van en el número 17, nada fácil sostenerse pero lo hacen con bastante solidez.

Pero si las revistas de vocación específicamente poética han sido importantes para la difusión de la poesía, no menos lo han sido las editoriales que se han embarcado en esta difícil tarea. Publicar poetas conocidos es importante para el estudio y disfrute de la poesía, pero muy importante también es impulsar poetas jóvenes o que se encuentran en producción, para lo que las antologías han jugado un papel primordial.

En la segunda mitad de los ´90, editorial Xilote fue punto de partida para varios autores. Dirigida por Miguel Ángel Aguilar, la colección Messidor estaba exclusivamente dedicada a la publicación de poesía con la muy cercana colaboración de la grabadora Leticia Ocharán que aportó grabados y dibujos tanto para la revista como para la colección, que era totalmente financiada por la editorial. La Fundación Cultural de Trabajadores Pascual también tuvo una colección de poesía que financiaba completamente. Praxis cuenta en su haber con cientos de títulos fundamentalmente de poesía; esa editorial es una parte ediciones de autor quienes autofinancian sus tirajes. El Director, Carlos López, ha hecho una importante labor en editar autores desconocidos o poco conocidos.

La Cuadrilla de la langosta comandada por Lety Luna, es un colectivo que no sólo se dedica a editar libros, también a organizar mesas, talleres a y promover con pasión la poesía.

Ediciones Arlequín es un caso que vale la pena resaltar por todos los títulos que han publicado gracias a la tenacidad de su director Juan Carlos Vera, que por cierto el año pasado se echó encima una labor titánica: la antología de poetas nacidos en los ´60.

El trato entre autores y editores es de lo más complejo, pues los límites de la autoría colectiva de un libro, (escritores, diseñadores, correctores, impresores y distribuidores) son en cierto momento borrosos. Por lo que no es rearo encontrar autores peleando con sus editores o viceversa. Al final, el que gana o pierde es el lector, pero la relación autor-editor, siempre será de amor-odio pues unos culpan a otros de las fallas o retrasos en la publicación final; por eso y por otras razones muchas editoriales surgen y se apagan tras publicar dos o tres títulos. La editorial Tábano surgió en 1996 con la específica idea de enseñar a los autores a manufacturar sus propios libros con lo cual se alcanzarían varios objetivos: el primero y más importantes sería que el propio autor experimentara lo que significa hacer el libro integralmente, no sólo escribirlo, sino financiar, imprimir, encuadernar, promover y distribuir. Esto da como resultado la comprensión de los autores para los editores, pero también para su conocimiento de los tiempos y costos que implica un libro.

La otra Orilla comenzó absorbiendo totalmente el costo de las ediciones, peor luego, con las cada vez más difíciles economías del país, han tenido que elaborar obras en coedición con otras instituciones o con los propios autores.

Tres universidades autónomas vale la pena mencionar por a labor que en el ambito de la poesía han llevado a cabo: La Universidad Nacional Autónoma de México, la Universidad Veracruzana y la Universidad Autónoma de Sinaloa.

Muy interesante propuesta fue la de el ISSSTE, que se dedica, como la amayoría de nosotros sabemos a procurar salud, y que, bajó la dirección de Socorro Díaz, comprendieron y apoyaron la lectura con la muy interesante propuesta ¿Ya leISSSTE? Se trata de tirajes enormes de 20 mil ejemplares de autores muy buenos con papel muy barato de reciclaje que costaban apenas 5 pesos y que tuvieron excelente distribución, tanto que incluso se vendieron en los supermercados del ISSSTE.

Ediciones coyoacán, ERA, Ediciones el Tucán de Virginia, Práctica Mortal, Ediciones del AZAR, Editorial Aldus, Juan Pablos, Joaquín Mortiz, Ediciones del Equilibrista, FCE, Tierra adentro, son los nombres de otras editoriales importantes en la publicación de la poesía que vale la pena estudiar.

Tal vez como dice Marco Antonio Campos, la poesía no sirve para nada, y los escritores, impresores, editores, distribuidores, libreros y lectores nos estemos perfeccionando en el arte de hacer nada. Pero, veamos...¿ Qué sería de los seres humanos sin la mentada poesía?

Raquel Olvera

[1] Mauricio Maeterlinck. La inteligencia de las flores. Editorial Tor. Buenos Aires

Nahui Ollin

2005-06-06T03:15:00.000-05:00

Carmen Mondragón

Nahui Ollin
Por Edward Weston

La madre: Fundamento de la cultura

2005-06-06T02:35:00.000-05:00

Hace unos días me invitaron a dar una plática en un foro sobre mujeres, esto es lo que salió:

a Rosario Ibarra de Piedra

Cuentan que en un principio las características físicas de las mujeres y los hombres los fueron ubicando: al hombre en la caza y a la mujer en la casa. Fue entonces el trabajo el que diseñó la cultura humana. Siglos después, con la revolución industrial primero, la tecnológica y la científica después, el capital demanda enormes cantidades de fuerza de trabajo de tal forma que incorpora a las mujeres y a los niños. Nace entonces una jornada de trabajo que abarca a todo el mundo y en todo momento; lo que la hace interminable. Pero el espíritu de esta jornada es todavía la del guerrero, el cazador, el sacerdote, a pesar de que destruye los fundamentos de la civilización que la engendra. La competencia entre hombres y mujeres, hombres y hombres, mujeres y mujeres, por dirigir al mundo en esta dinámica, propician la degradación de las estructuras humanas. En la medida que la apropiación de este trabajo se sigue haciendo por unos cuantos, la sociedad no logra evolucionar hacia un nuevo espíritu y por eso los resultados de este impresionante desarrollo de las fuerzas productivas se expresa en una globalidad injusta para la absoluta mayoría de los seres humanos en una degradación de la vida de la especie, en la catástrofe ecológica, en la amenaza nuclear y la desintegración de la familia tradicional.
Cito: El reino de los dolores tiene un ordenamiento riguroso, hay en él gradas, limbos, escalones por los que va descendiendo el ser humano. Al visitar ese reino visita el hombre las fuentes de la vida; y de igual manera que los manantiales van a desembocar a los lagos y después a los mares, así, los sufrimientos se reúnen en grandes recipientes cuya forma es cada vez más pura. De modo muy parecido a como para los pensamientos existe una conciencia, también para los dolores existen formas en que van colmándose de sentido y unificándose en un significado cada vez más hondo.[...]Una vez más, y en la cámara más profunda, todos esos dolores dejaron finalmente su impronta en las madres [1](fin de cita). En la primera guerra mundial, la figura emblemática fue el soldado desconocido, pues fue él quien acumuló los sufrimientos al ser la lucha cuerpo a cuerpo; Pero con la segunda guerra mundial, y las sucesivas que algunos autores señalan ya como guerra civil mundial, surgieron avanzadas maquinarias de guerra, y el dolor fue penetrando más profundamente en los estratos de las madres:

Para María Luisa Ochoa

El reloj de una madre siempre marca la una.
La primera hora del día,
la hora de la posibilidad de la luz.
Sólo en su mirada hay sosiego.
Madre del Inquieto Retorno.
Señora del Nacimiento.
En una sola noche ha vivido la muerte de todos sus hijos:
la del soldado y la del poeta.
En su memoria
el niño esta salvado del pozo,
siempre antes de caer.
El reloj de una madre, siempre marca la una.

Por eso en algunos pueblos antiguos, existía el consejo de guerreros y el consejo de madres. Y jamás se tomaba la decisión de la guerra sin la autorización del consejo de madres.
Las mujeres somos portadoras de las relaciones íntimas con la naturaleza; si recuperamos el sentido profundo de nuestro significado, percibiremos que, además de aspirar a los derechos en equidad con los hombres, tenemos obligaciones específicas y una tarea fundamental en el desarrollo de un pensamiento a partir de nuestra sensibilidad capaz de cultivar los valores fundamentales de la vida, la reproducción, la armonía y la apreciación de la vida de todos los seres. Sólo con la incorporación de la mujer a nuestra tarea específica, el espíritu de la tierra podrá renovar la vida misma para llevar una perspectiva de sobrevivencia para todos. Este también, por cierto, es el papel de las flores y de la poesía.
Cito: La vallisneria es una hierba bastante insignificante que no tiene nada de la gracia extraña del nenúfar o de ciertas cabelleras submarinas. Pero se diría que la naturaleza se ha complacido en poner en ella una hermosa idea. Toda la existencia de la pequeña planta transcurre en el fondo del agua, en una especie de semisueño, hasta la hora nupcial en que aspira a una vida nueva. Entonces la flor hembra desarrolla lentamente la larga espiral de su pedúnculo, sube, emerge, domina y se abre en la superficie del estanque. De un tronco vecino, las flores masculinas que la vislumbran a través del agua iluminada por el sol se elevan a su vez, llenas de esperanza, hacia la que se balancea, las espera y las llama en un mundo mágico. Pero a medio camino se sienten bruscamente retenidas: su tallo, manantial de vida, es demasiado corto; no alcanzarán jamás la mansión de luz, la única en que puede realizarse la unión de los estambres y del pistilo. ¿Hay en la naturaleza una inadvertencia o prueba más cruel? ¡Imaginaos el drama de ese deseo, lo inaccesible que se toca, la fatalidad transparente, lo imposible sin obstáculo visible! [2] (fin de la cita) Las flores hembras o machos, recurren entonces a todas sus argucias, piden la ayuda del viento, del sol y de los pájaros, para resurgir y perpetuarse como especie.
De la misma manera, la distancia que nos separa a hombres de hombres, mujeres de mujeres, y a hombres de mujeres, sólo puede ser salvada por la fraternidad. El socialismo ponía en el centro la igualdad, la democracia la libertad, pero es necesario poner en el centro la fraternidad. Ahí es donde se precisa la fuerza de naturaleza femenina, en el desarrollo de la armonía, del amor por todas las cosas creadas. Precisamente, nuestra fisiología nos acerca a la experiencia trascendental de la entrega y hace propicio el entendimiento para ir al fondo de la creación y recordar que somos una trama incesante. ¿De qué sirve que ocupemos puestos claves en la administración de la cultura o en la política si queda coartada nuestra creatividad por la falta de entrega debida, con razón (no lo niego) a la desconfianza de siglos de entrega pagados con agresiones? De nada, no sirve de nada, aunque existan razones. Todos los que seamos susceptibles de entender el poder de la entrega, tenemos la obligación de la entrega. Los poetas por ejemplo. Los creadores, por ejemplo.
Hace un tiempo escuché que un hombre le decía a una mujer: — ¿Mi matamoscas te impide volar?—. Permítanme tomar unos segundos de este precioso tiempo para describirles la malicia en los ojos de ese hombre: ¡Brillaban!, como los de un niño travieso. Demás está decir que esa mujer no sostendrá su mano en la hora de la muerte. Pero esa pregunta se quedó troquelada como una marca de agua: ¿Mi matamoscas te impide volar?... Nnnnno. ¡No! Quisiera poder hablarles de estadísticas, o de la participación creciente de la mujer en puestos de administración cultural o como creadoras intrínsecas. Pero aún no he alcanzado la suficiente capacidad de abstracción para poder transmitirles mis pensamientos con números. Me son más cercanas las palabras. Me he desempeñado en los últimos 20 años en la promoción cultural independiente, por eso he podido convivir de cerca con cientos de mujeres y sé, de primera mano, que realizamos este trabajo con pasión, eficiencia y dignidad. Mujeres, tampoco somos todas iguales. Las mujeres indígenas, por ejemplo, viven su realidad cultural de una manera muy diferente de las citadinas o de las mujeres de pueblo. He tenido la fortuna de ver los ojos de algunas creadoras indígenas y me he reconocido en sus pasiones, en su entrega. Reconocí también ese destello en las mujeres que sostienen la vida cultural en mi pueblo que está en la sierra norte de Puebla. Lo vi. en las mujeres exiladas en otros países por razones políticas, económicas o sentimentales, constantemente haciendo cultura. Hace unos poco días pude verlo en las mujeres que administran la cultura en el GDF y lo he visto en cientos de creadoras que he encontrado a mi paso. Es notoria la aparición de nombres femeninos al avanzar el siglo XXI. ¿Es porque hemos nacido más mujeres? ¿O es porque vamos adquiriendo mayor seguridad en nuestro vuelo? Eso lo dejo a los analistas. Lo que sé es que a lo largo de la vida he visto mujeres poderosas, creativas, líderes, constructivas; y que ese poder es el que se necesita para encontrar la sabiduría de la vida que nos lleve a concluir, que así como en un principio, debemos regresar al cuidado de la casa de todos, al cuidado de la tierra. El enemigo del amor es el descuido, dice Ramón López Velarde, y nuestro amor a la vida no permite descuidos. Podemos realizar cualquier tarea que antes estaba relegada sólo a los hombres, pero aunque el requerimiento de mayor fuerza de trabajo demande nuestras capacidades, no cambiamos por esas razones nuestra fisiología, como sí lo hacen algunos insectos. Nuestro cuerpo sigue siendo femenino

textos

Con alma de Monumento en desgracia. Cesar Arístides.

Tacubaya22 de Octubre de 2002

“Las pasiones se pierden/”, dice Roberto Juarroz, “salvo una quizá:/la pasión por la pérdida”.

Cuando la propia historia esta hecha de desgracia, la sabiduría está en amar la desgracia con pasión como si la desgracia hubiera sido nuestro primer amor, el que nunca se olvida y se lleva a la tumba entre clavelinas rosas y nomeolvides violetas.

Con vidrios enterrados en la espalda fue escrito este libro: “Duelos y Alabanzas” y con Un alma de monumento en desgracia, será leído.

Al comenzar el día. Miguel R. Mendoza

Concierto para cinco sentidos

Fifth Movement" from Concerto For Five Senses by Raquel Olvera

Las flores de la dicha, una antología de la poesía alegre.

La dicha tiene raíces en la tierra/Dolores Castro

Escribir poesía Vs. vivir la vida.

libros, De venta en la librería "El hallazgo", Mazatlán casi esquina con Juan de la Barreda, col Condesa.

Te quiero Sur

Mis amiblogs

Reseñas

Raquel Olvera

Dolores Castro

Cesar Arístides

Cardo

José Antonio Matesanz

Alberto Revilla

Tenoch

Iván Buenader

Revistas electrónicas de poesía

paseos por el campo para entrenar nuestro silencio

Palabras para un arrullo

la paciente prisa del río

ESA MULTITUD QUE SOY

La poesía: revistas y editoriales

Nahui Ollin

La madre: Fundamento de la cultura